The Office US (2005) de Greg Daniels

diciembre 27, 2018
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A principios de este año se han cumplido 5 años desde que esta magnífica serie llegara a su fin y viendo las cosas con más perspectiva y revisionando algunos capítulos, puedo asegurar que The Office es la mejor comedia de la década de los 00's.

El final de Friends allá por 2004 dejó un hueco en la parrilla televisiva de la NBC que parecía insustituible, y otras cadenas intentaron tomar el barco (véase CBS con 'How I met your mother'). Parecía que se les había acabado la imaginación a los de la NBC pero hicieron lo que hacen todos los directivos en Estados Unidos cuando no tienen ideas: hacer un remake de algo. Y así es como dieron con “The office” en la BBC, que había arrasado en los BAFTA y había conseguido la aclamación prácticamente unánime en UK. La NBC contrató a Ricky Gervais y así volvieron a tener a una nueva gallina de los huevos de oro.

The Office trata el día a día de una oficina en Scranton, Pennsylvania. La oficina es una filial de Dunder Mifflin, una empresa que se dedica a vender papel. La serie está gravada en falso documental, cosa que permite a los personajes mirar a cámara y hablar directamente a ella. Los episodios suelen durar unos 20 minutos aunque hay capítulos especiales de 40 y hasta de 60 minutos.

La serie consta de 9 temporadas y 187 capítulos y es lógico que durante todo ese tiempo haya capítulos que bajen el nivel de los otros, pero os aseguro que, personalmente, nunca me he reído tanto con una serie. La primera temporada solo tiene 6 capítulos y al acabar sobrevolaron sobre ella rumores de cancelación, pero la serie continuó y es en la segunda y tercera temporada donde se afianza como comedia y nos regala grandes carcajadas.

Personajes

Es una serie bastante coral pero he querido mencionar los más relevantes a mi parecer.


Michael Scott (Steve Carrell): es el personaje central de la serie y también el jefe de la oficina. Es un personaje al que se le ama o al que se le odia. Michael es intolerante, racista e incompetente, pero todos esos aspectos negativos de su comportamiento los difumina con un gran sentido del humor y un gran corazón.
Dwight Schrute (Rainn Wilson): neurótico y con un toque psicópata, es el brazo derecho de Michael en la oficina. Vive en una granja y su mayor sueño es ser el director de la oficina. Es un personaje odioso a primera vista pero que nos regala los mejores momentos de la serie. Se acaba convirtiendo en uno de los personajes más queridos por sus excentricidades y sus salidas de tono.
Jim y Pam (John Krasinski y Jenna Fischer): son la pareja de la oficina. Típico amor de oficina entre la recepcionista y un vendedor. En algún momento su relación puede llegar a ser empalagosa, pero tienen ciertos puntos cómicos muy divertidos.
Kevin Malone (Brian Baumgartner): uno de los contables de la oficina. Kevin es ingenuo, tonto, obeso y hasta cabezón. Otro personaje gracioso, sino el que más. Su estupidez es su gran atractivo y es por ello que se gana el cariño de la oficina y de los espectadores. Algunos de sus comentarios rozan lo surrealista y es, para muchos, el personaje más divertido de la serie.
Stanley Hudson (Leslie David Baker): es un trabajador de la oficina que lo único que hace es hacer crucigramas y pasar las horas sin hacer absolutamente nada. Parece que todo le es indiferente y no le importa lo más mínimo la empresa mientras él siga cobrando y pueda jubilarse pronto.
Creed Bratton: mi personaje favorito de la serie es curiosamente el que menos aparece. Y es que puede desaparecer durante varios capítulos y luego aparecer durante 5 segundos. Sus escenas siempre son divertidas, sin ningún tipo de sentido lógico y puede que hasta perturbadoras. No está claro cual es su cometido dentro de la oficina pero seguro que no seria lo mismo sin él.
Si todavía no os he convencido os dejo las mejores bromas que Jim gastó a Dwight para que degustéis esta gran serie infravalorada en España.

¡A las armas! de Quique Peinado (2015)

diciembre 22, 2018
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La editorial Libros del K.O. lanzó, hace aproximadamente 6 años ya, una colección condenada al éxito titulada Hooligans Ilustrados. En ella, escritores (y no tan escritores) narran sus vivencias y relación con un club de fútbol del estado español. Digo que era un éxito seguro porque quiero pensar que quien de verdad le gusta y siente este deporte disfrutará infinitamente más con una horita de lectura, cuanto menos, interesante sobre la visión que tenga de tu equipo un hincha célebre que con las pantochadas de un puñado de cocainómanos en El Chiringuito o como se hagan llamar ahora.

Personalmente, di con esta colección a raíz de la presentación de ¡A las armas!, el libro sobre el Rayo Vallecano. En dicha presentación encontré 3 personas tan dispares como David Fernández, Jordi Évole y Quique Peinado (autor del libro), lo cual me sorprendió bastante porque van, en ese orden, de una de las personas a las que más respeto a una de las que menos. El Follonero y el tonto de Zapeando no hubieran conseguido otra cosa que alejarme de cualquier producto que recomienden, sin embargo, este era sobre el Rayito y David daba su aprobación así que le dimos una oportunidad.



Antes de entrar a valorar el libro en sí, debo reconocer que no soy un amante del fútbol clásico, hasta hace poco más de 6 años no me interesaba mucho más allá del Barça-Madrid y la Champions, nunca había tenido una camiseta de un equipo, era del Real Madrid y no sabía que era un carrilero. Desde entonces han cambiado muchas cosas, desde luego, pero mi mirada no es la de el típico chaval que ha jugado desde pequeño en un equipo, que ha crecido junto al fútbol y que tiene como tradición los domingos de partido con su padre (o madre).

Ahora ya sí, el libro; la portada me tiene enamorado, tenía claro que me lo iba a comprar aunque fueran un montón de hojas en blanco solo por ese artwork. La línea de portada que siguen en esta colección es bastante minimalista, fondo ocre sobre el que se imprimen detalles mayoritariamente en negro junto con el título y algún que otro toque del color del equipo que lo protagoniza. A esto se añade una imagen, a menudo una fotografía, pensada con mucho ingenio.



En cuanto al contenido seré breve, así como lo es este librillo. El índice divide el texto en 5 capítulos: Familia, Barrio, Política, Estadio y Fútbol. El primero es correcto, narra los recuerdos de su infancia y los orígenes de su familia, que casan bastante con el prototipo de hincha del Rayo. En Barrio extiende esos recuerdos al resto de familias de Vallecas y la vida allí, la heroína, la pobreza, la vida en comunidad, etc. Hasta ahí sin pegas, no he vivido en Vallecas en esa época así que me creo su historia y, a ojos de un iletrado como yo, está suficientemente bien escrito, pero llega Política. Desde el principio encuentras referencias a la ideología, porque no puede ni quiere evitarlas, pero no deja de sonar a progre del PSOE que cree que aun abandonando el marxismo (porque es muy radical) es la izquierda valiente. Entiendo, una vez leído dicho capítulo, el porqué de Jordi Ëvole (lo que es) y David Fernández (lo que quiere aparentar ser) en la presentación.

No obstante, los dos últimos capítulos acaban por dejarte muy buen sabor de boca. He disfrutado y sufrido leyendo los momentos más memorables de la historia del Rayo que Quique ha experimentado ¡y eso a pesar de que no conocía ni la mitad! Ese es el efecto que, a mi entender, este libro debe generar, tanto a los que sienten al Rayo como a los que no. En suma, diría que ¡A las armas! es recomendable gracias y a pesar de Quique Peinado a partes iguales.



Rick and Morty (2013); created by Dan Harmon & Justin Roiland

noviembre 12, 2018
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Rick y Morty es una serie animada para adultos, estrenada en diciembre de 2013 y emitida en Adult Swim y doblada al castellano por TNT y Netflix. Sus creadores son Dan Harmon y Justin Roiland. El primero es el creador y productor de la genial comedia Community, aunque por discrepancias con los ejecutivos de NBC, fue finalmente despedido, lo que permitió la realización de esta serie inspirada en un corto de Roiland, Doc and Mharti. Por su parte, Roiland (que da voz a los 2 protagonistas) ha ganado notoriedad como actor de doblaje en series como Hora de Aventuras o Fish Hooks.

El argumento gira en torno a las andanzas de 2 personajes inspirados en los de Regreso al Futuro (Doc y Marty). Rick, el abuelo de Morty, es una versión algo particular del científico loco; el anciano es un genio, sociópata y alcohólico que arrastra a su nieto en toda clase de aventuras bizarras. Morty, por otra parte, representa a menudo algo así como un pepito grillo adolescente, más inocente y noble. Además, en todos los capítulos suele haber tramas paralelas en las que participan los miembros de su familia. Los padres, Beth y Jerry Smith, una mujer insatisfecha con su vida y un marido inútil y necio. Summer, su hija teenager, completa esta típica familia de clase media norteamericana.


Hasta aquí, nada del otro mundo si hablamos de animación para adultos. Y es que, supongo, Rick y Morty no sorprende por lo original de su propuesta, sino por su intensidad. Los especiales de Halloween de Los Simpson ya hacían referencias continuas a obras de ciencia ficción, incluyendo un viaje al interior del cuerpo humano. Pero en Los Simpson no se introducían en el cuerpo de un vagabundo alcohólico al borde de la muerte por cirrosis, ni generaban un humor tan negro y transgresor de dicha situación. La serie parece escrita por el hijo bastardo de Philip J. Fry y Asimov en el Spannabis. Rick y Morty se ha colado entre mis dibujos favoritos gracias a historias llenas de violencia, sexo y demás contenido explícito y surrealista. El capitulo que tal vez mejor ejemplifique esto sea ‘Rixty Minutes’. En él, Rick modifica el receptor de la tele por cable para ver emisiones de infinitas líneas temporales. Para muestra un botón:

A pesar de todo, no es el delirio de las tramas o la sci-fi hardcore lo único estimulante en Rick y Morty. La serie hace constantemente críticas muy mordaces a la sociedad americana (o humana, si me apuras) combinando nihilismo de Nietzsche y el existencialismo de Sartre. Morty sentencia "Nadie tiene un propósito, nadie pertenece a ninguna parte, todos vamos a morir. Vamos a ver la tele" lo que recuerda claramente a "todo lo que existe nace sin razón, se prolonga por debilidad y muere por casualidad" del ya mencionado Sartre.

Las referencias históricas son varias, por ejemplo, en el segundo capítulo, cuando los perros adquieren inteligencia suficiente para liberarse de su servidumbre a las personas. Hasta cambian sus “nombres de esclavo” al estilo de los integrantes de La Nación del Islam. Muchas veces, este desenfadado trasfondo político (o incluso filosófico) me ha recordado al Louie CK más ácido o al personaje Rust Cohle, de True Detective (salvando las distancias). Desde luego hay oportunidades para la reflexión cuando entierras tu propio cadáver o arruinas el planeta por completo.


Creo que los ingredientes presentados son suficientes para tentar al potencial interesado en Rick y Morty. Por lo que podéis disfrutar de las 3 temporadas publicadas y morir de ganas de que publiquen la cuarta de una vez como nosotros. 

Arde Madrid (2018); de Paco León y Anna R. Costa

noviembre 08, 2018
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Un nuevo formato ha aterrizado en Movistar+ esta semana, lo que proponen Anna R. Costa y Paco León supone la primera serie emitida en televisión de pago rodada en blanco y negro. Ellos mismos admiten que no fue fácil convencer a los productores de este formato, sin embargo, quedaron satisfechos con el resultado. La supresión de la saturación no responde, en este caso, ante motivos relacionado con la pseudointelectualidad, sino que ayudan a contextualizar la historia en la España franquista de los años 60.

Un escenario tan inhóspito como el Madrid del yugo y las flechas acoge las aventuras de la actriz estadounidense Ava Gardner (Debi Mazar), vecina del General Perón (Osmar Núñez), en un torbellino de fiesta y desfase que contrastan y de qué manera, con los valores machistas, católicos y fascistas del momento. Sin embargo, los protagonistas de esta historia son Ana Mari (Inma Cuesta), una "solterona" adoradora del Caudillo recién salida de la fábrica de esposas modélicas y Manolo (Paco León) un hustler frustrado que define el capitalismo penetrante en España como "quien la pille, pa él" frente al mal a evitar, el comunismo del "todos iguales y pobres".

Ana Mari y Manolo interpretarán a un matrimonio empleados como servicio de la famosa actriz, lo que Manolo no sabe es que su mujer postiza ha sido escogida para informar de todos los teje manejes de Ava puesto que las élites franquistas huelen comunismo y/o anarquismo en todas esas reuniones a las que los ricos "de fuera" están acostumbrados.

Se puede acusar a Arde Madrid de falta de crítica para con el franquismo, puesto que endulza la época entre risas y omisiones de la cara más cruel del régimen fascista, no obstante, el target de audiencia, la persona que ve en una plataforma de pago una serie de los creadores de Ventdelplà o Kiki, el amor se hace, no es precisamente la más crítica y políticamente consciente, por lo que no resultará un problema.



En Arde Madrid, además podremos encontrar a Anna Castillo, la ganadora del Goya a mejor actriz revelación por El Olivo (2016), como Pilar, una joven que está descubriéndose a sí misma y a su sexualidad; a Ken Appledorn, el actor estadounidense que nos presentó David Sainz en Malviviendo y posteriormente en El viaje de Peter McDowell, interpretando a Bill Gallagher, el representante de Ava Gardner; Melody interpretando a Carmen Sevilla, Eugenia Martínez de Irujo interpretando a su madre, la Duquesa de Alba, así como la madre de Paco León, Carmina Barrios, o gran parte del reparto de Aída (Carmen Machi, Eduardo Casanova, David Castillo y Miren Ibarguren).

A pesar de que a los creadores les ha sido difícil llevar la relación laboral de buena gana, puesto que también son pareja, el resultado -dicen- no hubiera sido posible sin la aportación de ambos profesionales y les han merecido la pena las discusiones y discrepancias incluso en casa. En suma, un trabajo original y llamativo del que podréis disfrutar en Movistar+ la primera temporada completa hasta 2045.


El Mal Querer de Rosalía

noviembre 05, 2018
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Rosalía ha publicado un nuevo disco, el segundo LP de su corta pero exitosa carrera musical. Nos ahorraremos elogios varios por haber logrado una repercusión tal que con tan solo un disco y par de sencillos ha captado la atención del gran público y personalidades del tamaño de Pharrell o Pedro Almodóvar. 

Hablemos de cómo se ha creado el disco en cuestión, cuyo título es El Mal Querer, y el porqué de la polémica que viene acompañando a la catalana casi desde sus primeros pasos en la industria musical.

Repasando las entrevistas y noticias sobre la publicación del trabajo para evitar ser repetitivo me ha quedado más que claro -os invito a hacer la prueba- que algo falla con la nota de prensa con la que Rosalía debe defender su disco. Todo lo que pueda decir cabe en un powerpoint como si se tratase de una presentación de la ESO y es repetido una y otra vez en cualquier tipo de promoción (notícia, entrevista, review, etc.) incluso empleando exactamente las mismas palabras en varias ocasiones.

A continuación pasaremos a comprar el billete para el viaje musical que nos propone El Mal Querer pero la parada en la descripción que nos ofrece su propia autora es obligatoria. Este trabajo está inspirado en una novela de autoría anónima del siglo XIII (en alguna entrevista se equivoca y dice XIV, sería de las primeras que hizo y aún no se lo había aprendido) titulado Flamenca. Dicha novela relata una relación tóxica que da nombre al disco, Rosalía lo naturaliza como si fuera una situación fruto casi del instinto, sin embargo, "historias de amor" con celos, machismo, y dependencia emocional insana es lo que podemos encontrar en la absoluta mayoría de la música, cine, series y libros mainstream, por lo que no parece aportar nada novedoso en ese sentido. La estructura seguida recuerda al formato literario en el que se inspira, dividiéndolo en 11 capítulos en forma de canciones que recorren la montaña rusa de emociones que supone afrontar dicha aventura. Al igual que su novela favorita, Rayuela de Cortázar, aunque el orden propuesto es uno, el consumidor -qué horrible es ser CONSUMIDOR de arte- puede alterarlo a placer.

Tal y como ella misma reconoce, El Mal Querer está construido sobre la voz como elemento central, difiere del minimalismo y organicismo que caracterizaba Los Ángeles, su disco debut, aunque también este se siente muy tocado, muy vivo.


Malamente (Cap. 1: Augurio)
El primer single y el que más se ha pegado, no ha necesitado muchos recursos para hacer un buen tema mainstream pero me deja un poco entre frío y decepcionado si tenemos en cuenta que han estado Rosalía, C. Tangana y El Guincho dándole vueltas. 


Que no salga la luna (Cap. 2: Boda)
El tapao del disco, uno de los mejores tracks, flamenco del 2018, esto sí es digno de ser noticia. Me gusta que le cape los agudos y medios en ocasiones dejando la instrumental como tapada y me flipa lo que no sé descifrar si son vocales con prismizer (hablaremos después sobre ello) o acordes de guitarra eléctrica modulados del minuto 3:14.


Pienso en tu mirá (Cap. 3: Celos)
Ciertamente, esta es una canción preciosa, los toques synth son el detalle que convierte una buena canción en algo genial. La letra tiene de ternura y de toxicidad a partes iguales, lo cual es voluntario, por supuesto, pero no parece un acierto.


De aquí no sales (Cap. 4: Disputa)
La canción que demuestra que son modernos, quieren ser vanguardia y no les sale, con diferencia, la peor canción del disco pero impide tachar de no-electrónico a este disco. Horrible quiero y no puedo con los samples de motos aunque bien filtrados y pitch-modificados los vocales. Rosalía y El Guincho se han acusado mutuamente de ser los ideólogos del tema, yo lo encarcelaría a los dos por ello.


Reniego (Cap. 5: Lamento)
Reniego tiene nombre propio, Jesús Bola. El que no conozca que googlee, genio de la música. No quiero menospreciar a Rosalía pero sin la mano de Jesús y la Orquesta Sinfónica de Bratislava nunca habría sonado como suena.


Preso (Cap. 6: Clausura)
Como cualquier hijo de vecino, estoy enamorado de Rossy de Palma y el interludio que protagoniza suponen 40 segundos de oro.


Bagdad (Cap. 7: Liturgia)
Lo mejor de la séptima canción lo aportan Justin Timberlake y Timbaland permitiendo la reproducción de la melodía de Cry me a river y Joan Albert Amargós junto a l'Orfeó Català. Me ha faltado ver a Rosalía por algún lado.
Di mi nombre (Cap. 8: Éxtasis)
Bien de Autotune y Prismizer como a mí me gusta. No atiendo a polémicas por el Yeli o no Yeli, de hecho, Dellafuente, quien ahora también está en el epicentro del mainstream español, ya tenía una canción titulada YELI donde se cantaba y nadie vio problema alguno ¿Distintas baras de medir? 

En cualquier caso, entiendo la referencia a la Repompa de Málaga pero las comparaciones son odiosas y la dejan en muy mal lugar:




Nana (Cap. 9: Concepció)
Este noveno capítulo es un muy buen ejercicio de demostración de fuerza. Le basta con su voz para rellenar 3 minutos y dejarte boquiabierto (2 tonos me han recordado a Camarón y casi me meo encima).


Maldición (Cap. 10: Cordura)
Qué bien a partir del segundo 37 y qué mal hasta entonces, muchacho deja ya esas teclas tranquilas. Me destroza la canción el tecladito de videojuego malo que taladra a ratos. Maldición contiene un sample de Answers Me de Arthur Russell, como hizo Kanye West anteriormente en 30 Hours.


A ningún hombre (Cap. 11: Poder)
¿Cómo no iba a acabar el disco con un guiño feminista de mujer empoderada? Eso es éxito asegurado. Nada mal ponerse en la piel de Bon Iver para cerrar el disco. Con diferencia es la canción en la que mayor protagonismo cobra el Prismizer (a pesar de que se usa sutilmente en la mayor parte del disco), una herramienta que permite descomponer la voz en un conjunto harmónico, una suerte de The Dark Side of the Moon vocal.

En suma, debemos reconocer El Mal Querer como un gran trabajo, una obra que ha logrado compatibilizar un disco de éxitos con uno conceptual gracias al enorme talento de los artistas que han colaborado en él. Si tuviera que sacar una conclusión sobre el disco, sería que es un producto muy bien pensado y ejecutado con recursos de ensueño pero resulta artificioso. El problema no es que Rosalía no sea gitana, andaluza o pobre, pero no por juntar talento se crea una obra maestra, el duende no se puede forzar y lo que en La Leyenda del Tiempo fluye en El Mal Querer es áspero. 

Rosalía triunfa en modernos y masas, tal y como se planeó en su nacimiento como artista, no es casualidad que C. Tangana conste en los créditos de 8 de las 11 canciones; Antón empleó la misma fórmula en su renacer tras Crema. Es una estrategia inteligente pero no es honesta. Y hablando de cosas que no es, El Mal Querer no es trap, no es urban, ni tampoco es la retahíla de categorías en las que 4 ignorantes han intentado incluirlo; los sonidos que caracterizan este disco son synth-pop y flamenco con suspiros de canto gregoriano.

Si hablamos de la escena musical del estado español, Rosalía hace referencia a La Movida como símil y nada más lejos de la realidad, hace 40 años surge un movimiento de contracultura (aunque la de Madrid, inofensiva, eclipsara la de Euskal Herria, mucho más crítica) mientras que en la actualidad vemos como las mejores lecturas de los incentivos que ofrece el sistema logran explotarlos en su beneficio sin desafiarlo lo más mínimo. Ese es el motivo que lleva a Almodóvar a favorecer el intrusismo laboral para darle un papel en Dolor y gloria. Que lo artifical de la indústria no venza a lo sentido de la música.
 
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